César Rico – Tres perlas como agradecimiento

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Tres Piezas Venezolanas

Orinoco,  y Palmarito son dos valses  dedicados a mis dos  Grandes  Maestros Venezolanos Leopoldo Igarza,  y  José Rafael Cisneros a quienes admiro y admirare  por su  grandeza.  Son  valses a dos partes con una armonía sencilla y un contrapunto moderado. Los he compuesto cuando era muy joven en el año 2004 evocando una bonita tradición Caraqueña al homenajear a nuestros Maestros por su 

inagotables esfuerzos en formarnos en nuestra amada Escuela Superior de Música José Ángel Lamas de Caracas. Estas dos pequeñas perlas tienen un clara influencia en el Vals Caraqueño del Siglo XIX y XX.

 

En tal sentido he querido hacer también el rescate de una tradición musical de Generaciones anteriores cuando aún sin ser compositores de formación, hacían una dedicatoria como agradecimiento a sus maestros. Qué este sentimiento  sirva como un eterno homenaje a dos personas que dieron sus vidas a la preparación de artistas de la guitarra y la Música, y lograron un legado en una importante Escuela Guitarristica de tradición. Orinoco nuestro Río más importante en las Riberas de nuestros llanos Venezolanos y Palmarito Estado Apure, lugar de Nacimiento de José Rafael Cisneros. Con todo cariño y admiración.

 

Ávila Siempre es una Obra dedicada a quien fuera uno de los compositores más importantes del siglo XX y XXI, como el gran Maestro Inocente Carreño. En esta pequeña obra trato de ser alusivo a ciertos elementos de una de sus obras más resaltantes como lo es la Suite Venezolana para Guitarra. Dicha obra está conformada por tres movimientos. Preludio, Madrigal y Danza. Yo procuro ser cuidadosamente alusivo a estás tres hermosas ideas del Maestro Carreño, y además doy cabida a otros elementos que también evoco el cual pertenecen a otro gran Maestro como lo fue Antonio Lauro. Quizás todas estas cosas se entremezclan ya que anecdótica mente Fue inocente Carreño quien culmina el Segundo concierto para Guitarra de Lauro, ya que estaba aún desarrollando tal composición cuando llega el momento de su partida física. En tal sentido esta obra el cual he titulado Ávila Siempre es y será mi homenaje a una gran Personalidad del compsicion y de la Maravillosa Generación de Compositores de lo que fue alguna vez la prestigiosa Escuela de Santa Capilla o Escuela Superior de Música José Ángel Lamas. Una generación de Maestros que se desprenden.del gran Vicente Emilio Sojo y que aún siguen Vigente y sonando con grandeza.

 

César Rico, 2022.

 

Partituras

Nacho Eguía – Tango desde Buenos Aires

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Es guitarrista, compositor y docente argentino. Actualmente se desempeña como profesor en la cátedra Guitarra Folklore del Conservatorio Superior de música Manuel de Falla, ubicado en la ciudad de Buenos Aires.

 

Como solista, interpreta obras para guitarra de su autoría con influencias de la música folklórica y ciudadana. En junio de 2021 editó su segundo disco “La imagen en silencio”, obra premiada por el Fondo 

Nacional de las Artes en el marco del concurso de música popular inédita. En 2020 sus obras “El aire en juego” y “Caprichos porteños” fueron seleccionadas entre 80 obras de todo el mundo para la final del 1o concurso internacional de composición de Seixal (Portugal). En 2019 editó su primer disco “Detrás de todo”, donde incluye obras solistas y obras en dúo con invitados como Marcelo Moguilevsky, Guido Martínez, Lucas Monzón e Ignacio Romero.

 

Obras de Nacho Eguía

A los botes es una obra que entra dentro de la especie folclórica llamada “gato”, una danza tradicional del noroeste argentino, con una base rítmica similar a la chacarera (se diferencian principalmente por su estructura). Estas músicas tienen la particularidad de que se pueden percibir en dos compases diferentes, uno de 6/8 y otro de 3⁄4. Muchas veces las melodías se apoyan en el 6/8 y la base rítmica en el compás de tres tiempos. Es fundamental escuchar y sumergirse en estos géneros para incorporar las cuestiones básicas del ritmo. Una de las características que suelen aparecer en este tipo de obras, es el acompañamiento de los bajos en negras, marcando en muchos casos el tiempo dos y tres. Y, en este caso particular, hablamos de un “gato trunco”, eso quiere decir que muchas veces las frases tienen un cierre melódico – armónico en el tiempo tres.

La Mandolina Venezolana que recorre el mundo -Enmanuel Araque

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Enmanuel Araque nació en la Ciudad de Mérida – Venezuela, Es Licenciado en Música, mención en Ejecución Instrumental Mandolina, egresado de la Universidad de Los Andes, Mérida.

 

Ha participado en seminarios en la Landesakademie für musisch-kulturelle Bildung e.V en Ottweiler – Alemania 2009 – 2012.

 

Participó en el 2o Festival Nacional de Música Andina Colombiana, Rodrigo Mantilla, Pamplona – Colombia. Participó en el IX Festival Nacional Universitario de Música Instrumental de la Región Andina Colombiana Bucaramanga – Colombia. Participó en el X Festival de Plectro en la Cuna de Cervantes. Alcalá de Henares-España, 43 Festival Internacional de Plectro de la Rioja, Logroño-España, Participó en 3 encuentros junto al Dúo Café para Dos integrado por los maestros Ricardo Sandoval “Mandolina” Matthias Collet “Guitarra”, en Lille, Paris y Metz-Francia.

Se desempeñó como arreglista oficial de la Orquesta Típica Merideña; Director de la Orquesta Típica “Antonio Picón” del proyecto “alma Llanera” del Sistema de Orquestas de Venezuela del núcleo Ejido. Hoy en día, continúa como docente de la cátedra de Mandolina y Bandola Llanera dentro del Sistema de Orquesta. Ha compartido escenario con la reconocida intérprete Cecilia Todd, Aquiles Báez, Rummy Olivo, Rafael “Pollo” Brito y C4 Trío.

 

En el 2016 obtiene el 2do lugar como Bandolista en el Festival Internacional de Música Llanera el Silbón. En 2017 participó en el 51° Festival Internacional Folclórico y Turístico del Llano. San Martín – Colombia.

 

En el 2018 obtiene el Primer lugar en el reglón Conjunto Llanero en el Torneo Internacional de Joropo. Villavicencio – Colombia, al mismo tiempo el tercer lugar en Obra Inédita para Bandola Llanera. En el mismo año obtiene el 2do lugar en el Festival Internacional Araucano de la Frontera, en el reglón Conjunto Llanero. En el 2019 obtiene 2do lugar en Conjunto Llanero y 2do lugar en Obra Inédita para Bandola Llanera, en la 51 Edición del Torneo Internacional de Joropo Villavicencio – Colombia.

 

En octubre 2020 obtiene el 3er lugar en el Torneo Internacional de Joropo en el reglón Conjunto tradicional de música llanera, Villavicencio Colombia (versión virtual).

 

En noviembre del 2021 obtiene el 1er lugar como mejor conjunto de música tradicional llanera en el Torneo Internacional del Joropo, en Villavicencio – Colombia.

Obras de Enmanuel Araque

La Música de Carlos Reyes

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Nacido en Caracas- Venezuela el 17 de Octubre de 1972, es precursor de la primera red de orquestas de guitarras del mundo con carácter franquicia, el Sistema Latinoamericano de Orquestas de Guitarras (SLOG), Fundador y promotor principal de la Federación de Orquestas de Guitarras (FEDOGUIT), y creador de la Compañía de Edición y Representación de Talentos CERT Producciones C.A, primera compañía editora de discos culturales en el mundo con base en sus estatutos al apoyo benéfico del sector salud. Inventor de los juegos de mesa educativos: “Global Guitars”, “El Mentor”, y “Política Extrema”; autor de los libros: La teoría del control expansivo de la realidad temporal “Teoría CERT”; “Sistema Kungfúsica” (Entre la música y las

 artes marciales), la serie de guías de ejercicios gimnásticos para guitarristas “Guía Virtuosi”, “A Plectrodedo” (La nueva Escuela de la guitarra), “Plectrodedo Method”, la novela histórico- social “El Ajedrecista”, y, “La palma del alma” (Reflexiones de un guitarrista trasnochado); elaborando diversos artículos de interés como bloguero en diferentes áreas de conocimiento, siendo reconocido por sus técnicas como un guitarrista de vanguardia creativa marcando un nuevo precedente con la Escuela del Plectrodedo. Su música ha sido constantemente interpretada por artistas de diferentes países, con Tres mil obras en su catálogo que le convierten en uno de los compositores más prolíficos de la guitarra a nivel mundial. Fue Integrante del Dúo Intermezzo junto al maestro y precursor de la Escuela de la mandolina clásica en Venezuela, el profesor Iván Adler.

 

Posee dieciséis producciones discográficas, siendo Diez de ellas con obras de su completa autoría. Evaluador certificado por la empresa Yamaha Musical de Venezuela- Japón en América latina. Ha dictado talleres en la Universidad de Carabobo sobre desarrollos de orquesta de guitarras. Fue parte del comité de compositores del seriado televisado “Creadores Visuales de Venezuela” (Visto por Tele Sur) y desde CERT Producciones dirigió el proyecto “Música Documental” sobre hechos y personajes de la historia para el apoyo a colegios. Invitado por el compositor austriaco Franz Kraler y el fundador de la Orquesta de “Amadís”, Jesús Ardila al Festival de Liendz (Austria- Italia).

 

Su obra ha sido difundida en medios de prensa, radio y TV, en países como España, Austria, EE.UU, Bélgica y Francia e incorporado a diferentes tesis de grado, sobresaliendo dos realizadas en la Universidad Distrital Francisco José de Caldas de Bogotá- Colombia, la primera como compositor y formador de guitarristas integrales, tesis de la licenciada en música Leila Castañeda y la segunda, sobre su trabajo como uno de los pilares fundamentales del actual desarrollo de orquestas de guitarras en el continente, del licenciado Ricardo Trujillo. Entre los honores recibidos destacan su Nombramiento junto al maestro Iván Adler como “Visitante Distinguido” por el Ayuntamiento del Estado Táchira (Venezuela) y la inclusión de su obra “Para Él Alma” en la página Web de “Artistas por los Derechos Humanos” certificada en Miami. Actualmente graba el programa para Web Televisión “Guitarra Global”. Un trabajo educativo sobre el desarrollo del Sistema Latinoamericano De Orquestas de Guitarras, contando además con la colaboración de la productora española SMILE TV, actores, cantantes y modelos de Europa y América en los videos oficiales de sus producciones discográficas.

 

Con la Escuela del Plectrodedo, su trabajo se ha expandido a diferentes Espacios Académicos en distintas regiones geográficas del mundo, mientras mantiene una constante actividad como educador en colegios, liceos y universidades de su país, siendo recientemente comisionado a elaborar y diseñar un Técnico Universitario Superior en Música, con nuevas menciones relativas a su quehacer y desarrollo profesional.

Obras de Carlos Reyes

Lo folklórico, tradicional y popular como propuesta estética en la obra de Ricardo Escorcio

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La vida del artista se impregna de una búsqueda que no tiene fin. Es un laberinto incesante donde, cada tramo que se atraviesa, se descubren ideas y se viven hechos. En estas dos frases se resume mi vida artística; sin embargo, deseo expresar a través de estas líneas cómo he llegado hasta lo que soy hoy en día. Vengo del Oriente venezolano, específicamente de la ciudad de Puerto La Cruz, Estado Anzoátegui. Lugar que, particularmente, es conocido por sus playas y atracciones turísticas, pero que poco se conoce sobre su cultura. Solamente viene a mi recuerdo aquel tema del insigne compositor y poeta de San Antonio del Golfo, Estado Sucre, Alí José García y su pieza Puerto La Cruz. No hay mejor expresión que aquella parte de este vals que dice:

 

Puerto La Cruz, pedacito de cielo

 

Puerto La Cruz, rinconcito oriental

 

Todo aquel que aquí llega, se llena de recuerdos

 

Que jamás en la vida, te podrá olvidar

Foto artística 2019, Elena Mela

Mis primeros años en el campo artístico los viví en Puerto La Cruz, desde que un día decidí enmarcarme en esta aventura llamada “Arte”. Desde el año 2004 hasta el 2009 dediqué mis estudios a la música venezolana y a la guitarra clásica, de la mano de personas y profesionales valiosos que le han dado a la ciudad importantes contribuciones en el campo artístico y cultural.

 

Personalmente, puedo decir que en esta etapa descubrí mis potencialidades en la interpretación y la creación artística. Con la guitarra me di la tarea de explorar la universalidad de la música y lo infinitamente variada que puede ser, con la música venezolana percibí el extenso campo que rodea tanto rítmica como melódicamente a través de importantes referencias como Raíces de Venezuela, El cuarteto, Ensamble Gurrufío, Pasacalle, Serenata Guayanesa, entre otros.  

 

Posteriormente, desde el año 2010 hasta la actualidad, realizo vida artística en la ciudad de Caracas. Para mí, viniendo de una ciudad tan tranquila, fue un cambio brusco que me llevó a replantear mi modo de ver el arte. Amplié mis estudios musicales en la Escuela Superior de Música “José Ángel Lamas”, referencia institucional que ha formado a importantes músicos y compositores venezolanos como Antonio Lauro, Antonio Estévez, Evencio Castellanos, entre otros. Respirar en una institución cargada de tanta historia se transmite, y la necesidad de evolucionar como artista fue una prioridad para mí. En ese espacio mi propósito artístico alcanzó un giro inesperado, pero muy necesario.

 

Hacia el año 2011 comencé en el campo de la composición, luego de serias dificultades a nivel físico como guitarrista que me llevaron a dejar a un lado mis planes con este instrumento. Hice mis primeras obras que no pasaban de ser algunos borradores como prueba de mis ideas y formas; sin embargo, estos pasos fueron determinantes para dar el paso a mi siguiente etapa. Institucionalmente formé parte de la Catedra Latinoamericana de Composición del Conservatorio de Música “Simón Bolívar”, un espacio donde asenté lo que sería mi camino definitivo a la composición y los logros como artista en años posteriores. Posteriormente, en el año 2014, ingreso a la Universidad Central de Venezuela (UCV) a realizar estudios de Artes, mención: musicología; institución que hasta el día de hoy me ha brindado una fuerte formación en el campo artístico. El criterio, análisis y comprensión de una obra de arte me llevó a comprender la realidad que vivo hasta la actualidad. El énfasis en aceptar y observar todo lo que la humanidad quiera expresar por medio de la expresión en muchas formas: el teatro, la danza, las artes plásticas, el cine y la música. 

 

En el campo de la composición, desde el 2011 hasta la actualidad, he gozado de premios y menciones. Como primera experiencia reseño el I Concurso de Composición para Cuatro venezolano “Freddy Reyna” en el año de 2013, como parte de la celebración del “Año del Cuatro” por el Ministerio del Poder Popular Para La Cultura. En mi caso obtuve la victoria por el Concierto Típico N°2 para cuatro y orquesta típica, obra que más adelante comentaré como parte de mi transitar como compositor. Luego en el año 2014 obtuve una mención honorífica en el IV Concurso de Composición para Música de Cámara de la Universidad Simón Bolívar por el Cuarteto de Cuerdas N°1 para dos violines, una viola y un violonchelo. En el año 2016 fui acreedor del Premio Municipal de Música, Obra sinfónica larga: Andrés Sandoval Yánez por la obra Diario Amorfo sobre la Belleza para orquesta sinfónica. El año 2017 fue de los más importantes de mi trayectoria, fui finalista del concurso “Creacción Joven”, categoría: sonido por las Variaciones Estilísticas sobre el “Pajarillo Verde” para coro infantil, el premio a la mejor interpretación coral por parte del Ensamble Clave de Sol, dirigido por Frank Valderrama por la obra Credo en el I Concurso de Composición Coral “Pbro. José Luis Lofrano” y el premio único por el VII Concurso de Composición para Guitarra “Antonio Lauro”, en honor al centenario del nacimiento de este insigne compositor y guitarrista venezolano. Finalmente, a nivel internacional fui finalista del Concurso de Composición “GuitarRust” en Graz, Austria por mi obra Allegro Perpetuum para guitarra.

 

Desde que comenzó mi transitar en el campo de la composición los gustos y afinidades fueron aflorando mi espectro artístico. Por cosas de la vida me incliné por la música venezolana. Más allá de un simple cliché de la etiqueta publicitaria de que algo sonara venezolano, es el hecho de mostrar de dónde soy y hacia dónde voy. En mis estudios de musicología en la UCV exploré, a través de etnomusicología, el campo de la investigación folklórica en Venezuela y gran parte de Latinoamérica. Importantes investigadores del área como Isabel Aretz y Luis Felipe Ramón y Rivera, junto a sus pupilos, recorrieron toda el área étnica del continente para captar todo registro sonoro de la música realizada en estos pueblos. Conocer parte de esos registros para mí fue como descubrir un tesoro. Una fuente donde la riqueza rítmica y melódica se hace presente, y la inmensa gama de posibilidades y propuestas creativas sale a flote. Particularmente, mi espectro creativo se hizo notar y de esa experiencia surgió una cantidad de obras de mi autoría donde esta influencia está marcada. Definir esta postura estética pasa por las siguientes palabras: lo folklórico, lo tradicional y lo popular. Expresiones que poseen marcadas diferencias, pero que se manifiestan en las obras que a continuación mostraré como parte de mi necesidad de comunicar por medio del arte. 

 

La palabra folklore, según Juan Liscano en su ensayo El sentido de la tierra, la denomina como “el conocimiento del pueblo, sabiduría del pueblo o ciencia del pueblo” (Liscano, 2015, pág. 11). Esta definición aproxima a la necesidad, por parte de una comunidad, de tener una identidad y personalidad ante el acto creativo. La palabra tradición, según el Diccionario de la Real Academia Española, es la “doctrina o costumbre conservada en un pueblo por transmisión de padres e hijos” (2001, pág. 2205), la importancia de conservar lo cultivado y formado para que sea transmitido de generación a generación, y la palabra popular es definida como “algo considerado por el pueblo como propia y constitutiva de su tradición” (Diccionario de la Real Academia Española, 2001, pág. 1803). Estas tres definiciones se relacionan en la transmisión oral de un conocimiento por parte de un pueblo que se transmite de generación en generación, y que con el pasar del tiempo se hace empático entre las personas que deseen ser acreedores de ese saber. Ese conocimiento, personalmente, fue apropiado como parte de una idea que se materializó en las obras que analizaré desde un punto de vista técnico y estético. Comenzando por el Concierto Típico N°2 para cuatro y orquesta típica, pasando por las Variaciones Estilísticas sobre el “Pajarillo Verde” para coro infantil, luego se abordará la Fantasía y Joropo Trivial para guitarra sola y, finalmente, la Fantasía coral Yare, para coro mixto a capela. Obras donde se refleja esa identidad como artista que se influencia del medio que lo rodea. La expresión pura del querer por su tierra y lo que se representa. 

 

El Concierto Típico N°2 para cuatro y orquesta típica, estrenado en el año 2014, representa el inicio de este ciclo en mi creación artística. Se compone de tres movimientos. El Merengue, basado en una forma sonata que contiene dos temas: el primero con un carácter enérgico donde el cuatro hace gala de su recurso “raga – punteo” que popularizaron importantes cuatristas como Hernán Gamboa y, posteriormente, Asdrúbal “Cheo” Hurtado; y el segundo de un carácter lírico donde el cuatro muestra su faceta cantábile ante la orquesta. Poco a poco este movimiento va adquiriendo un desarrollo en donde ambos temas dialogan entre sí hasta que se llega a un punto climático y su posterior desenlace. El segundo movimiento, Canción para el deseo, toma como referencia el tema de la canción Hortensia de Antonio Lauro para realizar una serie de variaciones que destacan la capacidad del cuatro de integrarse con instrumentos de la orquesta a nivel tímbrico, rítmico y armónico. La belleza sale a relucir en este movimiento con un susurro melódico que evoca a una canción de cuna donde Hortensia lo que más desea es tener un sueño dulce y placentero. El tercer movimiento, Fiesta en el Oriente, es un joropo con estribillo oriental que evoca el carácter improvisatorio del cuatro a través de una gala de virtuosismo ante la orquesta que lo acompaña. En esta parte destaca esa conexión entre el cuatro y el sentir popular, ese deseo y alegría por parte del venezolano de mostrar ante el mundo el qué y el cómo es ante lo que le rodea. En líneas generales, una obra que evoca el sentir popular de muchas maneras: dulce, melancólico, ensoñador y vigoroso. 

 

El esplendor de la música coral venezolana radica en su capacidad de improvisar sobre una melodía principal. A su vez se integra un contenido rítmico y armónico que enriquece el oído y gusto de quien lo escucha. A través de esa base partí para crear las Variaciones estilísticas sobre el “Pajarillo verde” para coro infantil, obra realizada para el Ensamble Clave de Sol y su director Frank Valderrama. Cualquiera pensaría que el tema del Pajarillo verde iría al principio de la obra, y realmente no es así. Esta obra se dedica a realizar un recorrido, con carácter pedagógico, por los estilos y géneros más significativos en la historia de la música. Primeramente, se recrea una homofonía evocando al canto gregoriano con una cierta influencia del tema principal. La dificultad del coro, en este caso, radica en su capacidad de cantar al unísono de manera tal que no haya descuido en materia de afinación. Luego del gregoriano se pasa a la polifonía, evocando un poco a compositores del Renacimiento como Giovanni Pierluigi da Palestrina o Tomás Luis de Victoria. El coro se divide en tres voces de forma conjunta y recrea las particularidades del estilo. Posteriormente, recreando el estilo imitativo, se recurre al afecto y la unión entre el desarrollo contrapuntístico de un instrumento con la voz a través del Barroco. Bajo la influencia de Johann Sebastian Bach, la agrupación recrea un pequeño sujeto que tiene un ligero desarrollo hasta llegar a un punto climático que transita a una conclusión. Un dato a considerar es la transición hacia la danza, y la siguiente variación es clave. La influencia del vals vienés se hace lucir a través del acompañamiento del coro, como si éste fuese una orquesta de cuerdas. Paralelo a ello, la voz solista antecede el tema principal que, poco a poco, se transforma hasta llegar al joropo. 

 

Pajarillo verde, como no quieres que llore

 

Pajarillo verde, como no voy a llorar.

 

Ay, ay, ay, ay, si una sola vida tengo

 

Pajarillo verde, y me la quieren quitar.

Tratado a la manera de Rafael Suárez, el coro hace gala de su capacidad contrapuntística para generarle personalidad a la parte venezolana. Luego hay una transición, donde la textura sonora de intervalos de 2das y 4tas evocan el paso hacia la música de nuestros días. Y la melodía, esa que por la lejanía suena como si hubiese un olvido, se hace presente en el subconsciente. Y de pronto, se hace presente la música urbana a través del rap. El baile y un ritmo referencial interrumpe de facto lo que hasta ahora se desarrollaba. Una voz solista declama en forma acelerada la letra y el coro exclama “PAJARILLO VERDE” hasta que, bajo el rasgueo inclemente del cuatro, la obra vuelve a sus raíces. El joropo nuevamente se hace presente y se manifiesta en un final que nos debe recordar que la música venezolana debe mantenerse siempre en nuestra mente y corazón. Esa conexión entre lo popular y lo académico que comentaba anteriormente se presenta en esta obra, como una demostración de que sí se puede entablar una relación cónsona entre ambas partes. Depende mucho de la suspicacia que el creador tenga; al fin y al cabo, se busca que el intérprete y el oyente disfruten de lo que escuchan.

 

Recientemente, en el 2017, se celebró en el país el centenario de Antonio Lauro, un personaje que ejerció una fuerte influencia en mí persona como músico y compositor. Hablar de Lauro, inevitablemente, es trasladarse a la guitarra. Esa personalidad que incrustó a través del valse venezolano, el cual aportó una nueva visión del género que, hasta ese momento, estaba un poco olvidado. La Fantasía y Joropo Trivial fue la obra ganadora, de forma unánime, del VII Concurso de Composición para Guitarra “Antonio Lauro”, y traigo a colación esta obra porque define la aplicación del rasgo folklórico en unión con lo académico en mí estética. La primera parte de esta obra para guitarra se define bajo pequeñas variaciones sobre el tema de la Jota llorona que popularizó Rosa María “La paraulata”, cultora del estado Sucre. Un tema eminentemente lírico que concuerda con una de las múltiples personalidades que posee la guitarra. Durante el transcurso de la Fantasía, la obra alcanza un desarrollo de los recursos técnicos del instrumento que permite la consonancia con la intencionalidad que la jota transmite; una melancolía incesante que se transforma en un transitar que concluye en el paso al lado rítmico, alegre y festivo del joropo. Por cierto, lo denomino trivial por lo natural que se hace ante los habitantes de un pueblo donde día y noche se respira ese sentir y deseo que trastoca las conciencias. El tema del Joropo del bandolín morocho del eminente cultor sucrense Cruz Quinal engalana esta parte, la cual tiene como novedad la incorporación del estribillo para guitarra. Los conocedores del joropo oriental saben de lo significa traducir esta propuesta rítmica al instrumento. En mi caso particular, fue un gran reto atreverme a incorporar este ritmo; sin embargo, cuando ya se ve realizada, la satisfacción de saber que es posible es muy grande. La ventaja del intérprete al abordar esta obra se traduce en un disfrute y goce de la jocosidad y alegría inmersa en el joropo, de manera que para las generaciones presentes y posteriores será un reto permanente disfrutar del esplendor de la música en esta región de Venezuela.

 

Una de las tradiciones de mayor importancia en el país es la de los Diablos Danzantes. Recreada en la región central de Venezuela, esta se enmarca en “el día de Corpus Christi el noveno jueves después del Jueves Santo” (Hernández y Fuentes, Fiestas tradicionales de Venezuela, 2012, pág. 213). Particularmente en la población de San Francisco de Yare esta manifestación posee una carga espiritual de gran profundidad. Esa devoción con que las personas, vestidas de diablo, bailan ante el Santísimo Sacramento es la que quise reflejar en mi obra para coro mixto Yare, inspirada en este acontecimiento. Dedicada a la Schola Juvenil de Chacao y su director Frank Valderrama, esta obra propone la coreología como técnica fundamental para su desarrollo. Más allá del contenido musical, en Yare se integra el trabajo corporal y escénico dado a la necesidad de transmitir la esencia de esta popular manifestación. Solo una frase se exclama como base del conflicto entre el bien y el mal:

 

¡Santísimo Sacramento, líbrame del Mal!

 

Es el texto de esta obra, dicho de muchas formas y con intenciones que evocan ese proceso por donde la persona desea la expiación de sus pecados con la promesa ferviente de una vida mejor. La obra en su inicio transmite la procesión de los feligreses que, bajo una textura polifónica, prepara el ambiente para la confrontación entre los dos polos opuestos. Posteriormente, al ritmo de un redooblante que evoca al cajero en plena manifestación, el coro pronuncia frases exclamativas como: ¡Sácalo!, ¡Sale!, ¡Fuera diablo!. A su vez, la voz es utilizada para imitar ese diálogo percutivo entre la caja y las maracas como un llamado al más allá para la salvación. Luego de la danza, la obra entra en su estado más profundo de contemplación. Es como si el tiempo se detuviera para la reflexión, las quintas paralelas que las voces masculinas y femeninas emiten traslada la lucha a una dimensión desconocida donde la persona busca la erradicación definitiva de sus pecados. Es tanta la lucha que llega un momento en que la frase principal liberadora se exclama como un grito desesperado, un último aliento donde toda la energía se invierte en el deseo de ser libre. Finalmente, la celebración de la danza se integra con el júbilo de la salvación a través de las voces que, poco a poco, se integran y entonan con alegría la misma frase con que la obra empieza. Es el hecho de manifestar al mundo que el alma se ha salvado, pero con el compromiso de mantener la fe ante la circunstancia. La influencia de la tradición cobra una gran importancia en esta obra, la cual lleva mi estética a un plano más espiritual. No es solo la vistosidad de la manifestación la que se vislumbra, es el sentir y fervor popular que hace conexión con la composición y propuesta artística.

 

La facultad de todo artista es de reconocer cada época y realidad que vive. En mi transitar en el mundo artístico he reconocido mi intuición, de manera que lo que transmito es sinceridad pura. No sé si continuaré con esta conciliación entre lo folklórico, tradicional y popular con lo académico; pero si puedo garantizar que estas obras que comenté me definen lo que soy y siento por mi país. Esa conexión con el fervor de los pueblos que intenté reflejar en mi obra, por la que yo también la siento y la transmito. Una búsqueda personal que, a partir de ahora, continúa a través de lo que mi intuición diga. Quién sabe a dónde me llevará, lo que sí es seguro es que disfruto de cada nota que coloco y, me conforta también, que los músicos y oyentes disfrutan de ese sentir que, con mi sinceridad, transmito cada día que realizo el maravilloso acto de crear.

Ricardo Escorcio.

 

Caracas, a los 23 días del mes de mayo del 2019. 

Fuentes consultadas

Real Academia Española (2001). Diccionario de la Real Academia Española. Madrid: Editorial Espasa Calpe, S.A.

Hernández, D. y Fuentes, C. (2012). Fiestas tradicionales de Venezuela. Caracas: Fundación Bigott.

Liscano, J. (2015). El sentido de la tierra, Estudios sobre cultura popular venezolana. Caracas: Fondo Editorial Fundarte.

 

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3 Opciones para generar INGRESOS como MÚSICO durante y después de la pandemia

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El año 2020 fue un año cargado de muchas dificultades económicas e incertidumbre para muchos profesionales, situación de la cual los músicos instrumentistas, compositores y productores no pudimos escapar. Bien es cierto, que dependiendo del país en el que te encuentres, probablemente hayas recibido algún apoyo económico gubernamental, o no. Por ejemplo, Alemania ofreció un programa de ayuda inmediata para artistas en la que es posible solicitar ayuda económica de hasta 3000 € para solventar los gastos de subsistencia para músicos, bailarines, compositores, etc. Lamentablemente éste no fue el caso en la mayoría de países.

Sin embargo no todo ha sido malas noticias durante el año 2020 y lo que va de 2021, ya que muchas empresas y artistas han encontrado nuevos caminos para llegar a sus clientes y seguidores de forma digital.

Acá te presentamos 3 posibilidades en la que puedes generar ingresos durante y después de la pandemia sin hacer inversión económica alguna, sino probablemente haciendo lo que ya estás realizando de forma gratuita actualmente (por ejemplo conciertos en Livestream, compartiendo partituras de tu música en formato PDF, etc.) Es importante que tengas en cuenta que estas 3 posibilidades las puedes llevar a cabo de forma rápida e independiente desde la plataforma  de Tin-tonton desde cualquier parte del mundo.

1.- Vende partituras de tu música en formato digital:

Es cierto que en muchos países no existe la cultura de comprar partituras, sino que muchas veces son puestas a disposición de forma gratuita por el compositor o de forma ilegal a través de algunos portales. Pero por suerte para los compositores existen muchos países en los que se gastan anualmente millones de euros en partituras en formato digital o impreso, por ejemplo: Alemania, Suiza, Austria, etc.

Así que esta es una muy buena opción que puedes emprender hoy mismo si eres compositor.

2.- Vende Tickets para tus eventos online o presenciales.

Probablemente ya hayas realizado uno que otro concierto online durante la pandemia a través de redes sociales como Facebook o Youtube, esto requiere de una inversión considerable de tiempo y dinero en equipos, a demás de toda la preparación del programa obviamente. Por ello es justo que para eventos virtuales también se puedan generar ingresos a través de la venta de boletos. Tin-tonton te ofrece la posibilidad de crear eventos con una interface visual profesional y a través de la cual podrás vender tickets para tus eventos virtuales (a través de Facebook, Youtube, Vimeo, Zoom, etc.) o presenciales.

Es el momento ideal para experimentar y generar ingresos con conciertos online, recuerda que hay millones de personas encerradas en casa con ansias de un buen concierto.

3.- Vende Instrumentos musicales.

Es probable que tengas algún instrumento que desees vender o quizás eres Luthier?

Bueno, con tu misma cuenta de Tin-tonton podrás ofrecer tus instrumentos y llegar a personas que quizás nunca imaginaste alcanzar, ya que con nuestra plataforma podrás publicar tus instrumentos, tickets o eventos en tres idiomas diferentes de forma automática (Alemán, Español y Chino).

Esperamos que esta información te sea de utilidad y puedas aumentar tus ingresos de forma significativa durante y después de la pandemia con tu actividad artística.

 

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¡Qué sigan los éxitos!

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La Salsa no es un ritmo

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Por: Juan Camilo Velásquez Bueno

 

“Ponme una Salsa”, “Vamos a bailar Salsa”, “Me gusta la Salsa”, “Soy Salsero” y más apelativos utilizan en todo el mundo muchas personas para manifestar una identidad, y es que la Salsa es una expresión cultural, política y comercial; la Salsa es literatura y es poesía, incluso algunos de sus máximos exponentes la han considerado un estilo de vida! Pero la Salsa dista, y por mucho, de ser un ritmo.

¿Cómo es posible entonces que uno de los fenómenos culturales más grandes de todo el territorio americano, cuya base radica predominantemente en la música, no sea un ritmo? 

 

Cuando Europa, un continente de Imperios, llega a America a finales del siglo XV, trae consigo no solo la cruz y el evangelio, también una mezcla de culturas e identidades sociales (desde la más baja a la más alta) que poco a poco se asentarían en el mal llamado “nuevo mundo”. Traería consigo también la esclavitud, la subyugación de pueblos cuyas raíces fueron tan fuertes que ni la misma colonización pudo acabar, y la mezcla de todas estas circunstancias darán como resultado final una mixtura que a los ojos del mundo podría considerarse no menos que maravillosa: Las Culturas Latinas.

 

Al igual que la Cumbia, el Porro, la Gaita, el Joropo, Los diversos Valses autóctonos de cada país, la Zamba, la Chacarrera y un increíble etcétera de ritmos andinos del cono sur Americano (por citar solo un ejemplo), en el eje central del continente, donde encontramos un compuesto de archipiélagos llamado Las antillas se empezaron a gestar una amalgama de ritmos que tendría un ingrediente (al igual que a lo largo y ancho de las Américas) preponderante: el Africa. 

 

La esclavitud trajo consigo el Africa “primitiva” con el tambor bajo el brazo, y en nuestra costumbre de encerrar arquetipos, a veces cometemos el yerro de “generalizar” culturas tan diversas que muchas veces la cantidad de diferencias entre ellas equivalen a sus semejanzas. A las Antillas llegaron del sudeste de Nigeria los Carabalíes (que provenían de la región del Calabar), y solamente entre ellos hubo etnias distintas, los Efik, Ibo, Ekoy, Bras, Ibibios, Abaja, Oba e Brícamos! De la región de la cuenca del Congo vendrían también los Mondongos, Banguela, Mucaya, Bisongo, Agunga, Cabinda, Motembo, Mayombe, todos “Congos”, y ni mencionar a la etnia que más influiría en nuestra historia Salsera como los Yorubas: eguadó, ekiti, yesa, egba, fon, cuévanos, agicón, sabalú y oyó! Y la definición de Yoruba viene no precisamente porque estas tribus estuviesen emparentadas ni centralizadas políticamente, pero hablaban una lengua común, y una de estas tribus, la Ulkumí, daría origen a la palabra lucumí, y Lucumís sería como denominarían a todos los Yorubas que llegaron a Cuba durante el comercio de esclavos. 

 

Congos y Lucumís afrontaron en Cuba un periodo histórico que les obligó adaptarse a la corona Española, acondicionando sus creencias y religiones y sincretizandolas con el cristianismo, dándonos como resultado religiones como el Palo Monte y la Regla de Ocha e Ifa, lo que conocemos como Santería.

 

La religión y la música están estrechísimamente relacionadas con el origen de este fenómeno cultural, y cada Santo u Orisha perteneciente al panteón Yoruba tiene características específicas que lo identifican, tendrían cada uno sus rituales, con sus ritmos y toques propios de tambores. Los toques de santo y los toques profanos, así como las festividades religiosas y populares darán como resultado en cuba el llamado “Complejo de la Rumba” de los cuales se cimentarán ritmos como el Yambú, la Columbia o El Guaguancó.

 

Pero la rumba no será el único fenómeno que veremos, al igual que el Africa se mezcla con la conquista y la colonia, la conquista y la colonia se mezcla con el Africa! 

 

De Inglaterra llegarán a Francia las Country Dances que pasarán a formar parte de las cortes reales y estas Contredanse francesas llegarán a las colonias Haitianas, y con la rebelión de Haití, emigraran al Oriente de cuba, generando el fenómeno de las Contradanzas cubanas, que derivaran en ritmos tan influyentes como La Habanera, (Que bajará al argentina para ayudar a cimentar el fenómeno del Tango) y El Danzón, con sus charangas y su riqueza armónica. 

 

Pero la música que llega de España a Cuba por medio de instrumentos como la Vihuela, el Laúd, y la Bandola también llega por medio de la iglesia, el canto llano y la música Sacra. Andalucía, región donde se manejará el negocio de la conquista, con toda su influencia Arabe, exportará algunas formas musicales y literarias como el “el trovo” y “las décimas” y nos dará origen al punto cubano. 

La poesía y la literatura, en combinación con todos los factores ya mencionados se mezclarán para dar paso en el oriente de la isla a la Guaracha, al Nengón, al Changuí y a los trovadores, surgirá el Son, columna vertebral de la Salsa, y a partir de la Rumba, el Son y el Danzón y sus formatos instrumentales como las charangas, los sextetos, septetos, conjuntos y “Big Bands” y con la influencia del Jazz (consecuencia en gran medida del mismo fenómeno de migración “de Haití” en Estados Unidos) , surgirán el Mambo y el Chachachá. La exportación de estos y otros ritmos afrocaribeños por el fenómeno migratorio en los inicios del siglo XX a Estados Unidos darán como resultado el surgimiento del Jazz “Afrocubano” que más tarde conoceremos como “Latin Jazz”.

 

Pero también de Puerto Rico llegaran a Estados Unidos  La Bomba y la Plena, de Panama el Congo, el Merengue Republica Dominicana, como muchísimos otros ritmos! y en los años 60 del siglo pasado empezará a cocinarse el caldo de cultivo junto a procesos sociales que impulsaran un sentimiento de progreso y esperanza en muchos países. Era tiempo de revoluciones en todo el mundo y la descolonización en Africa, la contracultura, y muchos más fenómenos sociales hacían que las clases bajas latinas inmigrantes en Estados Unidos, como los trabajadores, los obreros, la gente marginal, los “malandros” y la gente “del barrio” participara en esta ola.

 

Y es por eso que La Salsa como ese movimiento que conocemos tiene su origen en el barrio!

 

En la gente, la que en su momento se considerara la baja sociedad de la ciudad de Nueva York que no eran ni más ni menos que los cubanos, los puertorriqueños, los venezolanos y toda la comunidad latina que emigró con su música y su cultura a los barrios bajos de la gran manzana, y no tu vieron otra alternativa más que reunirse y crear, y que se dieron cuenta de que toda esta mezcla y toda esta sabrosura los unía y les generaba un sentimiento de identidad.

 

Entonces la salsa se convierte en una expresión de semejanza  y toma tanta fuerza a lo largo y ancho del continente que luego pasaría a convertirse en un común denominador para todos los Latinoamericanos y Caribeños.

 

Salsa NO es un ritmo, pero sí una convergencia de ritmos! Salsa es una palabra que tiene sobre todo un fin y es el de recoger a los principales ritmos tropicales que se han modernizado, se han arreglado y se han innovado a medida que se mezclan con otras formas e influencias musicales, y que los transforma en un movimiento cultural, porque la Salsa, como la cultura latina, están en constante evolución!